劳动法奏鸣曲

⑴ 超好听的纯音乐

以下全是我爱听的，希望你能喜欢。
1、snowdreams(雪的梦幻)
2、river flows in you
3、kiss the rain
4、三个人的时光
5、我曾在那一角落患过伤风
6、The mass(弥撒)
7、Hello Zepp(电锯惊魂3结尾曲)
8、织梦行云
9、回梦游仙
10、tears
11、火烧云（这个极其好听。推荐）
12、The Draw（魔兽世界的亡灵序曲）
13、He's a pirate（加勒比海盗插曲）
14、when winter comes
15、hinata vs neji(火影忍者插曲）
16、dance of death（死亡之舞）
17、孤独（火影忍者插曲）

以上的曲子分下类，，嗯。。。
如果喜欢悲伤的音乐那么首选
tears
hinata vs neji
三个人的时光
dance of death
Classicriver
这些。绝对的好听
喜欢轻音乐的
火烧云
snowdreams
织梦行云
回梦游仙
Kiss the rain
我在那一角落患过伤风
这些都很不错
如果喜欢有气势的音乐
He's a pirate
The Mass
Hello Zepp
The Draw
这些都很不错，尤其是Hellp Zepp，特别的好听

最后在给些不能算是纯音乐的，但是特别好听的音乐
Eyes on me（最终幻想8插曲。柔情都能溢出来了）
Here without you
my heath will go on（泰坦尼克号主题曲）

最后说明。绝对不是复制的~~~~~

⑵ 作品赏析题:1.音乐作品：小提琴协奏曲《梁祝》2. 绘画作品：《最后的晚餐》

您好 请采纳。

小提琴协奏曲《梁祝》采用奏鸣曲式，并选取民间故事《梁祝》中的“草桥结拜”“英台抗婚”和“坟前化蝶”三个主要情节分别作为乐曲的呈示部、展开部、再现部的内容。作品内容如下：

1.引子

音乐一开始，在弦乐颤音的背景下，长笛吹奏出优美、轻柔的旋律，仿佛描绘了梁祝求学路上春光明媚、鸟语花香的故事背景。由双簧管奏出的主题音调，取自越剧的过门音乐。

2.呈示部

(1)相爱：在竖琴伴奏下，小提琴奏出传颂千古的爱情主题。此主题取材于越剧的音乐素材。作者何占豪曾在越剧团当演员。据他所知：任何越剧演员，只要唱到这一唱段，都会博得台下阵阵喝彩的掌声。于是作者选取此唱腔作为《梁祝》的爱情主题，并把它作为整个作品的核心音调。此主题的旋律特点不断上行又不断下行，上行时仿佛表现梁祝对幸福生活和美好爱情的向往与追求；下行则好像预示他们生活中的曲折及有情人难成眷属的痛苦心情。此处由独奏小提琴从高音区转入中音区，大提琴以潇洒的音调与独奏小提琴“一唱一合”，形成对答，仿佛描绘梁祝“草桥结拜”的情景。接着，乐队以充沛的感情奏出这个主题，充分表现出梁、祝相互欣赏之情。

(2)连接部：为独奏小提琴的华彩乐段。在华彩乐段通常乐队暂停演奏，由独奏者充分发挥其表演技巧。此处的演奏较自由，难度较高，因而也较引人注目。作曲家在此采用华彩乐段使其成为作品的有机部分和有独立特点的段落。

(3)副部：是整个作品中最轻快、最欢悦的乐段。它由越剧的过门变化而来，由独奏小提琴奏出，与抒情的主部爱情主题形成鲜明的对比。第一插部速度采用活泼的小快板，由木管与独奏小提琴相互模仿而成。第二插部速度更为轻松欢快。速度是音乐表现的一个重要手段，作曲家在此采用轻快的速度、轻松的节奏、跳动的旋律、活泼的情绪，栩栩如生地描绘了梁、祝三载同窗的幸福时光。

(4)结束部：音乐采用惋惜的慢板，其素材由爱情主题发展而来。作曲家在结束部巧妙地运用了两个休止符，使音乐断断续续，细腻地描绘出英台面对前来送行的山伯感慨万分、欲言又止的复杂心情。缠绵的旋律，缓慢的速度，带着无限的伤感与惋惜，使人宛如看见梁、祝十八相送的镜头，真是“三载同窗情深似海，山伯难舍祝英台”。

3.展开部

(1)抗婚：当人们仍沉浸在梁、祝惜别的氛围中，突然闯进大管和大提琴奏出的低沉音响，定音鼓和弦乐的颤音中夹杂着可怕的锣声，不祥的征兆预示着悲剧即将发生。接着，铜管以严峻的节奏、阴森的音调奏出一个代表封建势力的主题。这是展开部的第一主题，此主题每一乐句均出现休止符，并采用较强的力度，生动地表现出封建势力的残暴。接着，独奏小提琴以戏曲散板的节奏，叙述英台的惊惶，这是展开部的第二主题。此主题中的乐句采用强烈的切分节奏，同时配合很强的力度，表现了英台誓死抗婚的场面。作曲家此处运用恰当的节奏、力度，使音乐内容得到深化，以达到更富感染力的效果。展开部的第一、第二主题交替出现，并不断激化，接着乐队以强烈的快板节奏，衬托小提琴果断的反抗音调，形成了抗婚的悲壮场面，掀起了全曲矛盾冲突的第一高潮。终于，强大的封建势力占据了优势，音乐突然转入了慢板，独奏小提琴奏出如泣如诉的音调，乐曲由此转入“楼台相会”部分。

(2)楼台会：曲调采用越剧楼台会的合唱旋律为素材，音调缠绵悱恻。此处采用大提琴与小提琴两种不同的音色时分时合，一问一答，使人仿佛看到梁、祝流泪互诉衷肠的感人画面。音色是塑造音乐形象不可缺少的手段，由于大提琴圆润、深沉的音色接近于男声，而小提琴优美、明亮、柔和的音色接近于女声。因此，作曲家用独奏大提琴代表梁山伯，用独奏小提琴代表祝英台，通过两种音色鲜明的对比，栩栩如生地向人们展示楼台会的动人画面。

(3)哭灵投坟：音乐突然急转直下，弦乐采用快速的切分节奏，激昂而果断，独奏小提琴以散板的节奏与乐队齐奏的快板交替出现，运用了京剧倒板和越剧紧拉慢唱的手法，深刻地描绘了英台扑倒在山伯的新坟前呼天号地泣诉的情景。此处，小提琴吸取民族乐器的演奏手法，和声、配器及整个处理上更多地运用戏曲的表现手法，将英台悲痛欲绝的心情刻画得入木三分。接着，鼓、板、锣、钵齐鸣，英台纵身投坟，向黑暗的封建势力做出了最后的反抗。此时，乐队以最强的力度倾泻出怨愤与同情，乐曲达到了最高潮。

4.再现部

化蝶：长笛以轻柔的力度、缓慢的速度，使音乐重新回归于安详、宁静的气氛。长笛美妙的旋律，结合竖琴的滑奏，把人们引入了天堂仙境。在加弱音器的弦乐背景下，第一小提琴与独奏小提琴再次奏出令人难忘的爱情主题，仿佛化为彩蝶的梁、祝在鲜花丛中翩翩起舞，诉说他们忠贞不渝的爱情。

《最后的晚餐》赏析
从小到大我的性格都比较男孩子化，不知道自己喜欢什么。直到03年到天津后迷上了琼瑶的言情小说，并趁着休班的时候尝试着自己写，可是只写了两章后便不在动笔，同事们看过后都鼓励我继续写下去，而且会当我的铁杆书迷，我也曾想再度提笔，却不知从何写起了，没有了灵感在想写也不知下个字该写什么......
05年7月份考出驾照后边整天与车为友。一天跟朋友逛街看到人家绣的十字绣漂亮的不得了，于是先买了幅最简单的 “亲亲”绣，没想到这一绣成隐，到现在绣了十几个，其中最满意的当属“最后的晚餐”跟“富贵花开”了，还有“母子情深”“福娃”“金童玉女”“欢乐少女”“百寿图”等等......
“最后的晚餐”主要是十三个人，有耶稣，犹大，约瀚等人。下面就是最后的晚餐的油画，绣出来的也是这个样子，大家看看要绣出来是不是很辛苦呢，呵呵~~
达芬奇于1495年接受了米兰．圣玛利亚·格雷契修道院的订约，开始创作《最后的晚餐》壁画，直到1496年才告完成。
达芬奇站在新时代的前列，赋予这一传统宗教题材以新的思想和境界，在神的形象中挖掘和表现了人的心理和情感，高度体现了文艺复兴的进步的时代精神。
《最后的晚餐》是表现耶稣已经知道自己的不幸将临时，在与门下众弟子共进最后的晚餐宴席上，宣布说；“你们中间有一个人出卖了我”，这句话刚说完，就在十二个门徒中引起了极大的震动。画家着意刻画弟子们瞬间所表露出来的极其复杂的、各不相同的心理反应。画家赋予画中每个人物以鲜明的性格气质，紧紧扣住每个门徒对基督的话做出明白的、毫
不含糊的表态。这个场面就好像在一池平静的水面上投掷一块石头所引起的那愈来愈大的波纹浪图一样，在此之前是十分平静的晚餐，突然引起巨大的波动，门徒中每个人的动作、手势及面部的表情所传达出来的是微妙的因人而异的心理差别和变化。
全画总共十三人，基督居于面面中间位置，其余十二个门徒分四组平均对称排列左右，这些组合是由每个人的心变化和感情联系自然结合在一起的，画中人的情绪造成画面的气氛有动有静，有声有色。画家运用造型艺术的手段使画中人和欣赏者的感情紧密联系在一起，我们如果来探究一下画幅中每个人物的性格和情绪发展是很有意思的。请看：基督在说完“你们中有一个人出卖了我”这句话以后。神色镇静而又慈祥，很自然地摊开两手，微微低垂着头，毫无恐惧之色，为刚才所说的那句话似乎还有点不甚感慨之情；门徒中反应强烈、显得特别激动的是坐在基督左手边的那一组三个人，他们各具有一个表达情感的动作。我们首先看到的是年轻的、具有火爆性格的菲利普突然按捺不住地从座位上跳了起来，带着不可捉摸的疑问转向基督，想弄清楚这到底是怎么回事，他用手捂着胸口，欲向基督表白自己对老师的真诚与纯洁，那个老雅各极度愤慨，用力地摊开双手，身子因失去重心而稍向后仰，好像在向同伴表示：我实在不知道，竟然出了这么大的事，简直不可思议；在他们后面站着的是多马，他尽量按下性子，向基督举着食指向上，哆嗦的说出“真的？天晓得，事情怎么会是这样？”他实在弄不清楚刚才发生的事情。在靠近基督右边的一组三个人中充满着一种复杂情绪，显然处于克制状态。那个告密的叛徒犹大就在这一组里，当他听了基督的话以后，做贼心虚地急速扭动身子，惊恐万状的想远离老师，并且慌忙地握紧告密所换来的钱袋，战栗而极端害怕地斜视着威严的基督，他阴沉而丑陋的，又显得特别粗鲁的脸皮，被善良貌美的约翰和坚强勇敢的彼得面孔衬托，对照得更加鲜明突出，约翰优柔地把头垂在一边，搭拢双手，神志焦虑，不知如何办是好，在倾听彼得细言。彼得的头在约翰和犹大之间显得特别突出，他勃然大怒地站起来弯身前倾向着约翰，并把左手按在他的肩头，紧贴耳边，似乎在低声讯问约翰：“你知道是谁出卖了我们的老师吗?”此时他的左手还紧捏着—把刀，好象正在表示，要是我知道是谁告的密，一定要亲手杀死他，来为我们的老师报仇，这是一个急性而富有正义感的人。在靠近彼得右手边一组是张开双手的、显得震惊而又沉着的、上了年纪的巴多罗迈，他的手势似乎表明要大家不要惊慌，他自己严肃而冷静地凝视着基督，在这危急关头想拯救老师。搂住巴罗多迈的是小雅各，他紧张地望着基督无能为力。站在桌子顶端的、身强力壮的是安得烈，他扭身向前，颇有冲上前去之势，这一组的三个人都凝神注视着基督，把欣赏者的视线完全引向了基督。最左面一组的另外三个人是达太、西门和马太，马太虽然脸向左边的老达太，可是双手却伸向基督，好像在讯问有经验的老人，刚才老师讲的话到底指的是谁呢?从老达太摊开的双手看，表示自己也正为这件突如其来的事纳闷，好像在十分疑惑地告话他。我真的什么也不知道。西门也在苦苦思索这从天而降的大祸，但是毫无结果。到此为止，画里十三个人的外貌，情绪和性格特征，活灵活现地印入我们的脑子里，观赏画的人好像随画中人经历了这一严重时刻。这是一群典型的人物，具有典型的性格，处在典型的环境中。画面具有戏剧冲突的舞台艺术效果，它是一幅具有划时代意义的情节性历史画，这个题材曾为达芬奇之前的不少画家所描绘过，但唯有达芬奇的《最后的晚餐》为空前的杰作。
《最后的晚餐》在艺术形式的处理上也是极为完整和成功的。画面的构图并不复杂，基本上是在一直线上穿插变化的，因此总的是在单纯中见丰富。大师把十三个感情激荡的人物有机地组合在一起，既有区别又紧密联系，既突出了基督的主要形象，又层次分明地刻划出每一个人的外貌和性格特征，高度地概括又深刻地揭示了这一戏剧性的场面。画家尽可能地调动了一切艺术手段，着意表现出耶稣的临危不俱、神态自若。大师把耶稣安排在既是画面小心、又是视觉中心的位置上，用背景中大门的透光，更加清楚地衬托出耶稣的形象，并且有意识地把两侧的门徒和耶稣分开，初看似乎耶稣很孤立，实际上内在的情绪和感情，以及事件把他和门徒始终紧密联系在一起。一切都以耶酥为中心：画中的餐桌，墙壁门窗和天花板的处理取平行透视；都集中而消失在基督的形象上；这一切很自然地把观众的视线首先吸引到基督的身上。画家将十二个门徒三人一组平均对称地分配在基督的两边，以其各自的动作和表情与基督发生联系和呼应。整个环境和道具的处理比较单纯，为的是更加突出激动的人物，这些独具匠意的艺术处理，使艺术语言显得高度精炼。达到炉火纯青的境界。
绘画是空间静态的艺术，它不可能像小说和戏剧那样，把事件和复杂的情节、人物的性格和情绪的发展变化细致而深刻地一一告诉观众，只是靠一个静止的瞬间形象，去揭示变化和发展着的生活。为了刻画人物的性格和变化着的思想感情，画家必然要设法抓住能显示画中人内心活动的外部特征，即对人物的动态和面部表情加以塑造，通过可视的形象，使欣赏者产生符合画家创作意图的联想和想象，从而理解这个瞬间的前因和后果。因此，虽然都是静止的人物，但能表现出巨大的生命力，静中求动。画家为了获得这种艺术效果就必须精心地为自己的主题，情节选择一个环境，运用典型人物的动作和表情去表现具有个性特征的人物，清楚地表明画家打算告诉观众的一切方面，使处于静态的画面成为一出剧的缩影，这应该是情节性绘画所要追求的最高境界，这样的作品才能打动观众的心，耐人寻味，发人深思，在这方面达芬奇的《最后的晚餐》为我们树立了光辉的典范。
达芬奇的创作达到如此高的成就，与他辛勤的艺术劳动是分不开曲。他的创作态度极其认真严肃，他为《最后的晚餐》化费了巨大的心血和劳动。他在创作之前的准备工作做得周详而细致，画了大量的速写，构思时进行深思熟虑的推敲，他深入地研究每个登场人物的动作表情，并为每个人规定了行为举止的意图。在他为这幅画所作的笔记中写道，“一个人饮了酒并把杯子放下来，把头转向说话的人，另一个人合拢双手的手指，眉头紧皱，看着自己的同伴，又一个人伸出两手的手掌，把肩耸到耳边，嘴上显得惊奇的样子……”。在这些笔记中虽然没有注明门徒的名字，但据分析看，达芬奇在创作想象中对于具体地塑造每个门徒，已经作了严格的选择和规定，基本上根据每个门徒的性格特点和外貌特征，设想和规定了他们各不相同的行为，以及在整个构图中所占的地位。这些明显的意图在他遗留的一些速写中比较清楚地反映了出来。因此我们现在所看到的画幅中每个人物都有与自己身份相适应的动作和表情。
达芬奇在创作《最后的晚餐》的过程中，他的工作作风是既严肃认真，而又富有情趣。他对自己的艺术语言的运用极为慎重。有时候他长时间地站在自己的画前沉思，停笔徘徊许久。据说这使不懂艺术的寺院院长十分恼火，竟然无理责难达芬奇是有意怠工拖延时间，并且打算催促他一刻也不要停笔作画。他自己不好意思去催逼达芬奇，便不断地在他的总管面前唠叨，要他去找达·芬奇谈谈为什么总是站着不动笔，总管没有办法，只好硬着头皮用委婉的方式，转弯抹角地示意大师快点作画，并且尽量让达芬奇理解这不是他的本意，而是院长的旨意。大师并没合生总管的气，还和他就画的艺术性问题进行了一般性的交谈，最后向他严肃地表示，自己将会很快完成这幅壁画，目前只是剩下两个人额头需要刻画，一个是基督，另一个就是叛徒犹大。基督的头像问题不大，很快就可以完成，最后关于犹大的模特儿还需要寻找，如果实在找不到适当的模特儿的话，他准备就利用这个令人讨厌的、粗暴而无知无识的院长的头去填补。这席话引起了总管的同情和好笑，他会意地告诉芬奇，“大师的话是百分之百正确的，他本人完全理解”。自此以后，那个可怜又可鄙的僧院长终日坐立不安，再也不敢来打搅大师的工作了。传说公爵莫罗殿下来看定稿的《最后的晚餐》时当看到犹大的面孔时忽然笑了起来：“犹大！简直和修道院院长一模一样，他不给你安宁，他妨碍你的工作，你非常巧妙地报复了他让他永远留在这张桌子的后面吧。正好，他那样贪婪地把钱袋抓得紧紧的，舍不得花在自己修道院的孩子们身上。由于他的吝啬，教士们吃够了苦头。”我们现在看到画面上面那个犹大的头，实在是反映出一个可耻叛徒的丑恶形象，也是对残酷无情的小人的真实写照，使观赏者望而生厌。
五百年过去了，这位文艺复兴时期的天才“巨人”的伟大作品，对于我们中国的画家和观众，仍然具有极大的魅力，艺术是人类共有的精神财富。《最后的晚餐》这幅画虽然歌颂的是基督教的主题，我们并非赞美基督教的精神的伟大。但画家笔下所描绘的不是神而是人，是人类社会中真、善、美的化身，是人类善恶的对比写照。大师所歌颂的不是神的力量，而是人的善良、正义的美德；斥责的是卑鄙和丑恶的叛徒行为。因此，这件杰作在历史上永远是不朽的，它不仅属于意大利人民，也属于全世界的人民。

⑶ 牛郎织女的神话故事

相传，织女是玉帝与瑶姬的女儿，她在见到牵牛后，两人一见钟情，情投意合，便私订终身，但是天条律令是不允许男欢女爱、私自恋爱的。于是，王母娘娘便将牵牛贬到了人间，并惩罚织女不停地织云锦。

织女坐在织机旁常常泪流满面，但她还是会尽心织好云锦，为的就是博得王母娘娘大发慈悲，让牵牛早日返回天庭。某日，几个仙女见织女整日苦闷，便恳求王母娘娘让她们一起去人间的碧莲池一游。王母娘娘心情正好，便应允了她们。

话说牵牛被贬到凡间后，生在了一个农民家中，取名“牛郎”。由于父母早逝，哥哥和嫂子待牛郎非常刻薄，于是牛郎便与一头老牛相依为命，一同生活。

殊不知，这头老牛就是当年为牵牛求情，被王母娘娘贬到人间的金牛星。一天，老牛突然对牛郎说：“你今天去碧莲池一趟，那边有几个仙女在洗澡，你把那件红色仙衣藏起来，红色仙衣的主人就会成为你的妻子。”牛郎见老牛会说话，知道它是个神物，便照着老牛的话做了。

那件红色仙衣的主人正是织女，虽然牛郎已经记不起织女，但织女认出了他就是牵牛。于是，织女答应了牛郎的求婚，两人结为夫妇，开始了幸福的生活。不久，他们还生下了一儿一女。 可是，好景不长，王母娘娘知道了此事，速派天兵天将将织女捉回天庭。

这一天，织女正在做饭，下地回来的牛郎告诉她说：“老牛死了，它说让我剥下它的皮，紧急的时候可以披着它飞上天。”织女听后，自然明白老牛的意思，便让牛郎剥下牛皮，埋葬了老牛。就在这时，刮来一阵大风，织女被天兵天将带走了。

牛郎见状，便赶紧披上老牛的皮，桃上一对箩筐，箩筐里坐着他们的一对儿女。眼看就要追上织女了，王母娘娘正好赶来。她见状，便拔下她头上的金簪，在牛郎和织女中间一划，顿时，一条波涛滚滚的天河横在了牛郎和织女中间。

牛郎带着两个孩子在天河这边哭，织女在天河的另一边望着夫君和儿女也哭得声嘶力竭。王母娘娘也被这场面感动，便让牛郎和两个孩子留在了天上，只准每年的七月七日让他们在鹊桥相会。

现在，我们在秋夜天空的繁星中，还可以看到银河两边有两颗较大的、明亮的星星，这便是织女星和牵牛星，在牵牛星的两边还有两颗小星星，这便是牛郎织女的一对儿女。

(3)劳动法奏鸣曲扩展阅读：

民间传说：

牛郎织女是非常有名的一个中国民间传说故事，是中国人民最早关于星的故事。

南北朝时代任昉的《述异记》里有这么一段：“大河之东，有美女丽人，乃天帝之子，机杼女工，年年劳役，织成云雾绢缣之衣，辛苦殊无欢悦，容貌不暇整理，天帝怜其独处，嫁与河西牵牛为妻，自此即废织紝之功，贪欢不归。帝怒，责归河东，一年一度相会。”

浪漫情怀：

牛郎织女的故事，由古典中蕴含浪漫，更反映了难能可贵牛郎织女的浪漫情怀。

牛郎织女的故事，由古典中蕴含浪漫，更反映了难能可贵的曲折爱情。我们相信，在天河的两侧，牛郎织女一直默默地守护着彼此，一直见证着“生命诚可贵，爱情价更高”的可贵精神，激励着青年男女追求美好爱情的决心和勇气！

⑷ 交响乐 重奏 奏鸣曲分别指怎样的音乐有什么区别

交响乐（SYMPHONY）不是一种器乐体裁的名称，而是一类器乐演出体裁的总称，交响乐包括交响曲、协奏曲、乐队组曲、序曲和交响诗五种体裁，这五种体裁的共同特征是都由大型管弦乐队演奏。（网络）
简而言之就是需要管乐与弦乐和其他乐器合作的团体演奏形式，即乐团才能演奏出交响乐。

奏鸣曲一般为套曲，由3到4个相互形成对比的乐章构成，用1件乐器独奏或 1件乐器与钢琴合奏。一般来讲奏鸣曲就是钢琴独奏曲就叫奏鸣曲，当然现在的奏鸣曲一般指独奏。
巴洛克初期的奏鸣曲可由单一乐章或是多乐章而组成，当时的乐章尚未有固定的排列顺序及形式，奏鸣曲的乐章可自由的跟舞曲混合。17世纪中开始，奏鸣曲可供不同场合使用之需而分为“教会奏鸣曲”（sonata da chiesa）以及“室内奏鸣曲”（sonata da camera）。“教会奏鸣曲”的风格较严谨，大多是由注重对位法的乐章而组成；“室内奏鸣曲”则在前奏曲后接上舞曲，风格和曲式都自由许多。从这个时候开始，“教会奏鸣曲”在乐章的排列顺序上渐渐有了规范----四个乐章，各乐章的速度为慢─快─慢─快。到了科莱里（Arcangelo Corelli -1713）时期，他数量丰富的小提琴奏鸣曲作品更是奠定了“教会奏鸣曲”的排列顺序。“室内奏鸣曲”虽然还是没有固定的乐章数目及顺序，但是也开始沿用转换乐章时变换速度这个规则。（维基网络）

重奏：每个声部均由一人演奏的多声部器乐曲及其演奏形式。根据乐曲的声部及演奏者的人数，可分为二重奏、三重奏，以至七重奏、八重奏等。由于演奏的乐器不同，因而又有钢琴三重奏、弦乐四重奏、管乐五重奏等等的形式。（网络）
重奏形式的演奏一般是建立在同一种乐器类型，比如弦乐四重奏就是以两把小提琴，一把中提琴和一把大提琴互相辉映而演奏的。

最后还请尊重一下我的劳动成果

⑸ 什么是古典奏鸣曲(快板)

简单地讲，奏鸣曲就是由好几段音乐构成的乐曲。一般是由一件（或少数几件）乐器演奏，只用钢琴伴奏。最常见的是小提琴奏鸣曲和钢琴奏鸣曲。

奏鸣曲（sonata）一词来自意大利语，本意是演奏乐器，没有体裁方面的含义。

今天说的奏鸣曲是指在十八世纪形成的一种形式，有着严密的组织规则。它一般由四段组成：第一段用奏鸣曲式，快板；第二段用三段式，慢板；第三段为小步舞曲或诙谐曲；第四段用奏鸣曲式或回旋曲式，快板。其中的每一段又称作一个乐章，各乐章之间在速度、情绪、主题、调性等方面形成对比，用不同的方式发展音乐材料，使得作品的整体结构丰满而又富于变化。这种形式形成于维也纳古典乐派时期，因此被称作“古典奏鸣曲”；海顿、莫扎特、贝多芬的作品是古典奏鸣曲的典范，但他们的作品通常是分为三个乐章的。

在古典奏鸣曲形成之前的巴罗克时期，曾经有过另一种样子的奏鸣曲，被称作“巴罗克奏鸣曲”，它同古典奏鸣曲的区别在于：（1）结构比较松散，对比因素较少；（2）分为庄重的严肃的“教堂奏鸣曲”和由舞曲组成的“室内奏鸣曲”两类，前者各乐章的速度为慢—快—慢—快，后者比较自由，视具体的舞曲而定。巴罗克奏鸣曲是古典奏鸣曲的前身，维瓦尔第、亨德尔、巴赫等人的作品即属这个范围。
奏鸣曲的特点：（1）由数个乐章组成；（2）在各乐章之间尽可能地使用多种对比手段；（3）一般是一件乐器的独奏，但有时也用四五件乐器的小型室内乐队；（4）通常是无标题的“纯音乐”；（5）各乐章有惯用的特定曲式。这些特点被称作“奏鸣曲原则”，它对后世的作曲家有非常大的影响，在许多大型作品的结构中都可以看到奏鸣曲原则在起作用。
还有一种“小奏鸣曲”。这种形式比奏鸣曲轻便、灵活。一般是二三个乐章，有时甚至将奏鸣曲原则压缩到一个乐章之内（例如贝多芬的钢琴奏鸣曲，作品111）。

奏鸣曲式（sonata form）：

奏鸣曲式（Sonata form）：乐曲的结构形式之一。它是欧洲十八世纪下半叶以来，各种大型器乐体裁中最常见的、最重要的曲式之一。大多数交响曲的第一乐章都运用"奏鸣曲式"。它通常用于奏鸣曲的第1乐章,并常用快板速度，所以也称奏鸣曲第 一乐章形式或奏鸣曲快板形式。这种曲式不仅用于奏鸣曲中，也用于室内乐、协奏曲、交响曲等大型音乐作品的相应乐章。此外在序曲、交响诗等作品中也常见到。

奏鸣曲式的三大部分：呈示部、展开部、再现部。 有人譬喻：它的呈示部好象提出矛盾的、可争论的问题；展开部是进行讨论、甚至矛盾间互相斗争，再现部则急统一认识，作初步的结论；"结尾"（尾声）是总结。奏鸣曲式的这种"对比--发展--统一"的结构布局，很适用于用来表现复杂的、甚至戏剧性的内容。
奏鸣曲式可能作下列各种变化：①采用复式呈示部（如协奏曲）。②再现部将主部、副部的顺序颠倒或省略其中之一。③省略展开部或仅有一个简单的过渡。④用插部（新的主题材料）代替展开部或展开部与插部并用。⑤与回旋曲式混合形成奏鸣回旋曲式(见回旋曲式)。⑥与套曲结构结合以及应用某些特点与其他曲式相结合（见套曲曲式、混合曲式）。
奏鸣曲式这一名称，最早是A.B.马克斯在他的《作曲法教程》中最早提出来的。奏鸣曲式的前身古奏鸣曲式，是在17世纪末和18世纪上半叶形成的。这种曲式是一种二段式。第1部分在主部之后有一个连接部,起转调作用，副部则在属调出现。第2部分则将主部改在属调出现,或用主部的一部分在几个不同的调上展开，然后将连接段改变，使副部在主调上再现。第1部分和第2部分都各自反复一遍。如G.塔尔蒂尼的《小提琴及通奏低音奏鸣曲》的末乐章和D.斯卡拉蒂的《a小调钢琴奏鸣曲》等。
古奏鸣曲式经过G.B.普拉蒂、斯卡拉蒂、C.P.E.巴赫、J.C.巴赫等的实践,到J.海顿时期发展为由3部分组成的奏鸣曲式。

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在西方音乐漫长的发展历史上，自从那个伟大的巴洛克时代的到来，音乐艺术尤其是键盘音乐艺术进入了辉煌的全盛发展时期。从那时起，不论是键盘音乐的创作理论，演奏技巧，还是作品的规模和思想深度都不断扩大和前进，一代代音乐巨匠在追求自己音乐理想的过程中，也为后代留下了浩如烟海般永远不可能穷尽的键盘音乐文献。而其中奏鸣曲（包括以奏鸣曲式创作的音乐）向来被认为是键盘音乐中更加严肃正统，规模宏大结构复杂，能更加深刻和全面的反映作曲家思想的作品，受到后代钢琴家和音乐学者的深入研究，成为键盘音乐尤其是钢琴音乐文献中最宝贵的部分之一。

1. 前奏：Beethoven以前的巴洛克和维也纳古典乐派的钢琴奏鸣曲创作及其局限

1.1 巴洛克及古典前期的键盘奏鸣曲

在音乐史上，最早被冠以“奏鸣曲”称谓的钢琴作品应该就是巴洛克时期伟大的古钢琴家Demenico Scarlatti创作的那些数量惊人的几百首古钢琴奏鸣曲了。这些作品多半是作曲家为古钢琴教学所作，但其在钢琴艺术史上的重要作用已经远远超出了钢琴教材的范围，为日后古典奏鸣曲形式的形成，尤其是对后来钢琴演奏技巧的发展都起到了巨大的作用。其实Scarlatti的奏鸣曲原来并不称为奏鸣曲，但因其具备了早期古典奏鸣曲式（准确地说应该是古奏鸣曲式）的某些特点，被冠以“奏鸣曲”的名头，它们大多是些二部曲式的单乐章作品。

1750年在音乐史上是个重要的年份，随着一代巨匠的陨落，音乐史上伟大的巴洛克时代宣告结束，音乐创作风格开始由严肃复杂和深奥理性的复调音乐转向清新精致典雅和愉悦的主调音乐过渡，钢琴音乐也开始从严格的多声部复调对位向主调旋律和声转变。这一时期是辉煌的维也纳古典时期的前奏，众多天才音乐家为钢琴音乐中的古典奏鸣曲的发展和完善做出了突出的贡献，其中最重要的一群就是伟大的J.S.Bach的后代子孙们，其中又以其次子C.P.E.Bach在钢琴奏鸣曲方面取得的成就最高。

C.P.E.Bach对古典奏鸣曲式的形成起到了重要的作用。他的早期奏鸣曲还有一些严格复调对位的写法，但后来就迅速完成了复调到主调的转变，成为主调音乐新风格的代表者。他首次证实了奏鸣曲式表现性格发展和情绪变化的可能性。它将Scarlatti的古奏鸣曲式加以发展丰富，强调展开部中主题变形的重要作用，用主题的变形展现更加丰富的效果和多变的乐思，表现音乐的矛盾对比冲突和多侧面全方位的情感因素，使音乐形式更加富于变化的统一。他的奏鸣曲一般有快-慢-快的乐章安排，乐章间采取调性和形象的对比。在作品的结构布局上，他确定了统一，变化，均衡的原则，在18世纪中叶的作曲家中，C.P.E.Bach被公认为古典奏鸣曲的真正奠基者。

这一时期值得一提的还有作曲家Demenico Alberti，他最早创建了分解和弦的伴奏音型，既保持了原有的和声效果又富于流动感和精致感。这种被称为“阿尔贝蒂低音”的音型成为一种新型的钢琴语汇，在浪漫主义之前的钢琴作品中应用甚广。

⑹ 海顿的降A大调奏鸣曲第46号作品的创作背景

很遗憾的告诉你，你不用等了，网上完全找不到，如果你很感兴趣的话可以买书来查找。我在网上给你找了他的简介，你根据介绍来写他的创作背景吧。

法兰兹·约瑟夫·海顿（Franz Joseph Haydn，1732-1809)出生在奥地利的边境小镇，顿堪称为古典作曲家中最出类拔萃的一位。他的一生跟随著新的音乐观念一起成长蜕变，而且在风格塑造上居功厥伟，非他人所能比拟，可算是启蒙时代的典范。
海顿的父亲是一名车匠，收入仅能糊口。虽然明知海顿有音乐方面的天赋，做父亲的却无力栽培，因而伤心不已。所幸海恩堡一个亲戚担任唱诗班指挥，六岁的海顿便自此离家在外，接受基础的音乐教育。不过这段时期由於不时遭受责打，海顿度过了一个不甚愉快的童年。17岁后，海顿被逐出维也纳圣司提反教堂
唱诗班，身无分文。他遇到一个与他一般潦倒的音乐家，赖教音乐与假日在教堂当风琴手为生。后来，海顿以替义大利作曲家伴奏为条件，请波波拉教他正确的作曲方法。此外，海顿还获得一些贵族家族雇用教授音乐，并为他们作曲，从此便平步青云。

1761年五月一日，海顿受聘为奥地利富可敌国的贵族保罗亲王一家人的乐团生病的乐长的副手，於1766年晋升为乐长。莫札特与海顿相差二十余岁，不过却是极谈得来的朋友。海顿的晚年是在维也纳近郊度过的，1809年拿破仑大军功占时，还特别派人保护他。但不久之后，海顿就因本身年老体弱，於同年5月19日以77岁高龄逝世。
主要作品：交响曲有《惊愕交响曲》 、《伦敦交响曲》等。 弦乐四重奏有《帝皇四重奏》等。 神剧有《创世纪》、《四季》等。
他出身贫困，从小在很艰苦的条件下学习音乐，作曲主要靠自学，成年后长期任乐队队长，至九十年代初，成为当时首屈一指的音乐家。1791、1794年他曾两度赴英，备受欢迎。

他主要从事主调音乐的创作，是他确立了"弦乐四重奏"和古典"交响曲"的结构形式，把交响曲固定为四个乐章形式，以完整的交响乐队编制进行配器，为近代交响乐的发展奠定了基础。他一生共创作了一百多部交响曲，其中较著名的交响曲有《告别》、《时钟》、《狩猎》、《惊愕》、《军队》、《伦敦》、《牛顿》等，故他被称作"交响乐之父"。

他的音乐语言朴素、简洁、平易近人，感情明朗，乐观。作品不重深刻抒情和戏剧性刻画，而主要是以普通人的日常生活为题材， 常用“说话原则”，进行世态风俗性的表现。他的主要作品还有弦乐四重奏《云雀》等七十六部，清唱剧《创世纪》、《四季》和一些歌剧、歌曲等。他在乐曲的发展中常用"主题活用的原则"，这直接启示看贝多芬"动机发展"的灵感。

1732年4月1日，维也维古典乐派的奠基人弗朗茨.约瑟夫.海顿出生于奥地利南方靠近匈牙利边境的风景秀丽的罗劳村。他的父亲是一位轮年匠，以修造马车为生，母亲是厨娘。尽管父母阳普通的劳动者，却都热爱音乐。

由于海顿天生一副好嗓音，使他在8岁时被著名的维也纳圣斯蒂芬教堂唱诗班选中。在这里，他如鱼得水一般刻苦地学习音乐理论与钢琴。随着年龄的增长，从16岁起他甜美的歌喉开始不幸地逐渐沙哑。1749年的一天，奥地利女皇在欣赏圣斯蒂花教堂唱诗班的优美合唱时，突然从合唱队里传出一声很不协调的怪音，女皇当场就挖苦道：“这个孩子的声音听起来就像乌鸦叫！”从此，海顿结束了他的唱诗被迫流落街头，靠拉琴卖艺糊口谋生。

此后的10年是他的艰苦岁月。他当过仆人--看门、送信、擦皮鞋，干过家庭教师，写过歌剧，作过大提琴手，任过乐队队长。

1759年，他成为波希米亚伯爵莫辛的小教堂唱诗班的音乐指导。

1760年，他娶凯勒为妻，犯了一个悲剧性的错误，为自己招来莫大的痛苦。凯勒体魄强壮而智能低下，性格凶狠暴躁，素质极差！她不仅在生活上虐待海顿，还常常把丈夫用大量心血创作的音乐手稿随便擦桌椅、包糖果、制点心盒等等。对此，海顿只有仰天长叹，而这又会引起更大的麻烦！后来，他们终于分道扬镳了。

1961年，海顿被匈牙利最有权势的保罗.安东.埃斯特哈齐王子任命为宫廷副乐长，在此，他度过了长达30年之久的音乐仆役生活。受雇于人的滋味是辛酸的：上班时必须穿上绣金花背心，白色长统裤袜，头戴假发或梳辫子，脸上搽香粉。每天午餐前后，要恭候在客厅里，等待主人有关当天音乐活动的安排指示。在创作上，必须在规定的日期内按主人的命题或要求，准时写成音乐作品。此外，还要监督乐队的纪律，看管好每件乐器，给新歌手上课，提高乐队水平，等等。海顿曾悲哀地写道：“我坐在我的荒野里，几乎没有人类和我在一起，我是很痛苦的......最近几天我也不知道我是乐长还是剧场验票员......要知道经常作奴隶是很可悲的......”。

“尽管有时宫适生活强加给他的种种约束惹他生气，他还是居住在这样一个世界中。这个世界既不怀疑王公的至高无上，也不怀疑穿制服的伟大艺术家的天才。关于他在埃斯特哈齐家中的地位，他自己的最后评价认为有利条件超过了不利条件。‘亲王总是对我的作品感到满意。我不仅经常受到鼓励，而且作为一个乐队的指挥，我可以进行实验，观察什么产生了效果、什么减弱了效果，我可以改进、替换、作一些增删，可以大胆地按我喜欢的那样去做，我与世隔绝，没有人来扰乱或折磨我，我被迫成为‘独创才’。”

从未有人对海顿的音乐天才表示怀疑，但却发生过面对着艺术家本人而怀疑他究竟是不是海顿的怪事。由于他身材粗笨矮小，相貌又不大好看，致使一向喜爱海顿音乐的公爵夫人多恩在第一次见到他时竟失声问道：“你是真正的海顿吗？......”

尽管我们的大师其貌不扬，却十分善良、纯朴、幽默和平易近人，因而，他的好友与崇拜者们都亲切而风趣地称他为“海顿爸爸”。

有一次，他意外地接待了一位不速之客--屠夫。一见面，客人就恭恭敬敬地摘下帽子，虔诚地请求道：“尊敬的大师，我最亲爱的小女儿即将举行婚礼，对我来说，这是重大事件。我满怀感激之情，请您为我写一首最美的小步舞曲。如此重大的请求，除了向您提出，还能去找谁呢？”善良诚恳的海顿立即慨然允诺。到了约定之日，他果真写成一首典雅的《C大调小步舞曲》屠夫千恩万谢地取走了这份珍贵的礼物。

几天之后，正当作曲家伏在书桌前全神贯注地埋头写作之际，窗外突然爆发出一阵震耳欲聋的混杂声响，着实把海顿吓了一跳！他好不容易才反应过来：这是有人在奏乐。是什么曲子呢？......大师怀着一颗好奇的心仔细听了半天才终于恍然大悟：天哪！这不正是自己前几天作的那支《C大调小步舞曲》吗？他赶紧跑到窗口向外张望，只见台阶上立着一头强健的公牛，牛角上还挂有金色的彩带，喜笑颜开的屠夫站在一旁，身后是满面春风的女儿女婿，一支由流浪艺人组成的我队正在起劲地吹吹打打！

屠夫庄重地走上前来，恳切地说：“尊敬的大师，对一个屠夫来说，用健壮的公牛来对优美的小步舞曲表示谢忱是最好不过的了。”

海顿在宫廷供职的30年里，埃斯特哈齐王宫两易其主(召海顿进宫的保罗.安东王子于1762年去世，继位的胞北尼古拉王子于1790年病故)，1790年继位的新主人只聘请他作挂名的音乐指导，海顿从此得到自由，于是他移居到维也纳。

1791年，应英国之邀，海顿前往伦敦访问。在此期间，他出席了纪念已故大作曲家亨德尔的音乐会。当大厅里回响起亨德尔的名作《哈里路亚》时，年近60岁的海顿激动得突然振臂高呼：“亨德尔是我们一切人的先师！”接着，便如同小孩子一般哭泣起来，全场听众无不肃然起敬！

1809年5月31日，海顿在维也纳逝世，享年77岁。

⑺ 贝多芬的《月光奏鸣曲》名从何来

每当从收音机中或钢琴上传来那轻柔、飘渺的《月光奏鸣曲》的美妙旋律时，许多音乐爱好者的眼前便会浮现出“碧天如水夜云轻”、“天街夜色凉如水”等诗般幽美的夜景；特别在夜深人静之时聆听，更会产生这般感觉。但是听者中恐怕还有不少人并不知道，贝多芬的这首著名钢琴曲，原来并没有“月光”这个标题，它的正式名字应该是“升C小调钢琴奏鸣曲”。那么，究竟是何人，又为何加上了这样一个美妙的标题呢·关于“月光奏鸣曲”名字的由来，说法很多。其中，流传得最为广泛的一个是：某晚，贝多芬在莱茵河畔的某一小镇散步，听到一间破旧房子中有人正在弹奏着自己所写的一首曲子，还听到弹奏者(一位女子)边弹边与另一人叹息着自己因无力购买音乐会的门票去聆听贝多芬本人的演奏而深感惋惜……贝多芬大受感动，便推门而入，走到钢琴前为他们——一个鞋匠与他的盲妹妹弹奏了刚才的那首曲子。一曲弹完，他余情未尽，便又即兴弹起了一首新曲。这时正好月光如水，照得满屋皆白。贝多芬的乐曲也就照着此情此景驰骋了起来。弹完后，他飞奔回住所，连夜把刚才即兴所弹之曲记录、整理了出来，便为“月光奏鸣曲”。这一故事现在几乎传遍了全世界，甚至许多国家(其中也包括我国)的小学语文课本都把它收作了课文。

另一略为相似的传说是：某晚，贝多芬在维也纳郊外的林中散步，偶过一贵族别墅，便信步走进想做片刻休息。谁知里面正在举行盛大歌舞晚会。人们发现了贝多芬后便一致盛情邀请他即席演奏。贝多芬慨然允诺。这时，皎洁的月光照入大厅，贝多芬和钢琴沐浴在这银光之中，音乐家因此而灵感大发，即兴弹奏了一首美妙的乐曲。回去后加以整理，便写出了“月光奏鸣曲”。某位名画家还根据此事画成了一幅油画，在世界上也很闻名。

这两个传闻在情节上虽有很大出入，但有一点却是共同的，即贝多芬是受了月光的启发而即兴创作的。但许多音乐史家研究、考证后都证明实际上并无上述两事。贝多芬虽有即兴作曲之才，但这首曲子却不是即兴之作，而是经过了艰苦的劳动才创作出来的，那反复修改涂抹的手稿便是一个有力的证明。

因此，有些音乐史家根据这首曲子第一版扉页上的献辞“献给朱丽叶塔·基恰尔弟”，提出了另一些解释。一说贝多芬与其女弟子朱丽叶塔热恋时曾经常在月夜下的林中散步，贝多芬是在恋人温柔的爱情与美丽的月光的激发下创作出这首曲子，并把它题献给自己的恋人的。一年多前在我国放映过的电影《永恒的情人》中就有这样的内容。我国艺术家丰子恺也有类似的看法，他认为是贝多芬的“诉衷情曲”，但对贝多芬深有研究的著名作家罗曼·罗兰却认为此曲不是贝多芬的热恋之作，而是失恋之作，而且内容与月光也根本无关，所表现的是他当时内心深处痛苦、悲愤、绝望及对昔日恋情的留恋等复杂感情。但有些音乐史家指出，这首曲子作于1801年，此时正是贝、朱热恋之时，而后来朱丽叶塔因受贵族家庭压力被迫另嫁他人是一年多之后的事情，因此1801年贝多芬怎么会写出“失恋之作”呢?后来又有人查明，贝多芬的这首奏鸣曲原先也并不是打算献给朱丽叶塔的，而是因为原先答应献给朱丽叶塔的一首“G大调轮回曲”，不知为何被一位公爵夫人要了去，贝多芬为了不食前言才改送他新创作的这首钢琴曲的。因此这首曲子也未必与朱丽叶塔的月光下散步有关。

但是，有不少音乐家或评论家还是坚持这首曲子主要是表现月光的，他们甚至作出了相当具体的描写：第一乐章为“月之初升”；第二乐章为“朗月之悬太清”；第三乐章为“午夜之狂飚”……其代表者便是德国诗人、音乐评论家、著名的舒伯特小夜曲的词作者雷尔斯塔布。他听了这首乐曲的演奏后，凭他那诗人的丰富想象力，首先用诗一般的语言描绘出上面所说的那些意境和感受。以后那些流传甚广的与月光有关的传说故事，以及不知哪位出版商为了打开曲谱销路而乘机加上“月光”这个标题，大概都多少受到雷尔斯塔布的影响。

不过，反对这首钢琴奏鸣曲是表现月光的人也不少。他们都根据自己的理解和感受对乐曲进行了解释：有人说它是“少女为生病的父亲的祈祷”；有人说它描绘了一幅带有圆亭的美丽风景；有人则说它表现了阴郁的、狂暴的、悲剧性的情绪或无限的愁思和惆怅的回忆……

那么，贝多芬本人生前对这首曲子又作了些什么表示呢?除了第一版扉页上的献辞外，他还在全曲前加上了两个音乐表现术语“近乎幻想地”和“非常纤细地弹奏”，并且还说过他自己并不认为这首很著名的钢琴曲是他最好的钢琴作品。然而，他对别人后来加上的“月光”这个标题及与月光有关的传说也没有表示过不满或反对。因此，贝多芬在创作这首曲子时到底是如何构思的，到底想表现什么，除了他本人外，也就没有任何人能肯定地说清楚了。这也就为后来的音乐家、评论家和听众留下了广阔的想象余地。

但不管怎样，有一个事实却是无可否认的，那就是这首钢琴曲从它诞生的那一天起，就由于其意境深远、感情丰富、结构巧妙、指法流畅而大受演奏家和听众的欢迎，并以“月光奏鸣曲”之名传遍了全世界，许多人聆听时都产生过对月夜的联想。因此，又有谁能断言贝多芬在创作这首曲子时就一定与月光没有关系呢?

⑻ 莫扎特一共留下了多少各种乐曲

莫扎特的短暂一生写出了大量的音乐作品，体裁形式涉及到各个领域，留下了许多不朽的杰作。 歌剧 莫扎特的主要创作领域是歌剧。他一生的36年中，有25年或多或少地从事了歌剧创作，共写了20余部。其中《费加罗的婚礼》、《唐·乔万尼》和《魔笛》最具代表性。 《费加罗的婚姻》取材于当时在奥地利被禁演的P.A.C.de博马舍的话剧，歌剧脚本由意大利诗人L.达·蓬特改编，1786年首演。改编后的脚本虽然削弱了原剧对封建社会的抨击，增添了抒情性的描写，但仍不失原作的批判精神而且揭露和讽刺了以伯爵为代表的封建贵族的虚伪和骄奢淫逸的生活，颂扬了以费加罗、苏珊娜为代表的“第三等级”人民正直、机智、勇敢的品质，表现了同封建主义斗争必胜的乐观主义精神。莫扎特这部歌剧的主要贡献是没有沿用当时流行的意大利趣歌剧的滑稽夸张、和杂耍式的手法，而着重描绘了人物的性格，进行了心理刻划，增强了歌剧的抒情性，并在剧中发挥了重唱的技巧和表现力。 《唐·乔万尼》(《唐璜》）的脚本也自达·蓬特改编。1787年首演。它取材于西班牙一个有名的民间传说。当时，该传说有各种版本广泛流传于欧洲各国，并已有话剧、歌剧、芭蕾等艺术形式，莫扎特和达·蓬泰选用了G.贝尔塔蒂的歌剧脚本《石客记》（意大利作曲家G.加扎尼加作曲），在剧情和人物方面作了较大的改动。通过贵族唐·乔万尼这个矛盾的人物及其欺骗、损害妇女行为的可鄙下场，揭露了封建贵族的腐烂生活，同时又肯定了主人翁蔑视封建礼教，追求幸福的一面。这是一部具有伦理道德意义的歌剧，反映了18世纪80年代末开始的德奥知识界对道德伦理问题的兴趣和关心。它是莫扎特在意大利趣歌剧的基础上发展歌剧式戏剧的重要作品。在处理这部歌剧的音乐时，莫扎特加强了对人物的心理刻划，使人物的形象更为复杂、真实，同时运用戏剧化的重唱，增强歌剧的矛盾冲突。 《魔笛》这首乐曲是莫扎特1791年逝世前几个月写完和演出的最后一部歌剧。其脚本是由莫扎特的老朋友热心于德国民族歌剧的一座小剧院经理E.席卡内德提议并编写的。歌剧取材于维兰德的神话《露露》。通过主人公为追求理想而进行艰苦斗争，最后取得胜利的故事，歌颂了光明必将战胜黑暗的思想。这部歌剧所反映的思想，和莫扎特追求启蒙主义和对“共济会”的自由、平等、博爱的理想有密切的关系。其中几个主要角色可能隐喻了当时社会现实中的人物。例如大祭司萨拉斯特罗使人联想到前不久去世的共济会首脑、莫扎特的朋友博恩。莫扎特采用了典型的新教众赞歌式的音乐塑造，使他的音乐具有庄严、崇高的性质；反面角色夜后，则可能是影射玛丽亚·特蕾西亚（她在位期间曾镇压共济会），这个角色需自技巧较高的花腔女高音扮演，其音乐表演难度较大而没有内在的感情，剧中的英雄塔米诺王子可能是比喻同情共济会的约瑟夫二世，他的音乐优美动人，采用的是正歌剧中的抒情咏叹调，帕米娜是人民高尚精神的象征，音乐十分优美，半人半鸟的幻奇性人物帕帕盖诺及其妻子是劳动人民的化身，他们的音乐带有鲜明的德奥民间风格。这部歌剧是莫扎特在德国及奥地利歌唱剧和神话剧的基础上，发展德国民族童话歌剧的代表作，它标志着18世纪德奥小歌剧发展告一段落，并为后来德国的浪漫主义歌剧的产生打下了基础，成为后者的先驱。 交响曲 莫扎特一共写了约50部交响曲，其中41部有编号，并象其他器乐作品一样可以分为若干组。交响曲大部分是早年受各种不同音乐风格影响写成的，因而带有模仿不同风格的痕迹。其中可以看到J.C.巴赫，G.C.瓦根赛尔M.G.莫恩，特别是海顿以及以J.斯塔米茨为代表的曼海姆乐派等风格的影响。 莫扎特最有代表性的交响曲有7部。其中《第三十一交响曲》（《巴黎》）是为当时欧洲最杰出的交响乐团之一的巴黎交响乐团谱写的，具有巴黎的音乐风格和丰富的音响，《第三十五交响曲》（《哈夫纳》）实际上是一首小夜曲，《第三十八交响曲》（《布拉格》）常被人们称作“没有小步舞曲的交响曲”，它只有3个乐章，不再是对意大利交响曲的风格模仿，而是一部地道的维也纳交响曲，《第三十六交响曲》（《林茨》）反映了莫扎特受海顿交响曲创作的影响。 莫扎特的最后3部交响曲──降E大调、g小调和C大调交响曲是他最优秀的交响乐作品。它们都写于1788年6～8月的6个星期之内。人们通常将它们划归为一个组，但三者之间各有其特点：降E大调《第三十九交响曲》明朗愉快，充满了诗意；g小调《第四十交响曲》富有戏剧性，有海顿式的乐观主义情绪，但在技法上又完全不同于海顿，被称为莫扎特的“英雄”交响曲；C大调《第四十一交响曲》（通常被称为《朱庇特》）宏伟豪迈，乐观向上，预示了L.van贝多芬的英雄交响曲的出现。 莫扎特的交响曲（尤其最后3首），是贝多芬之前的全部交响曲创作的最高成就。他的突出贡献在于重视各乐章之间以及乐章中的主题之间的对比性。 协奏曲 是除歌剧以外，莫扎特在音乐创作上贡献最为突出的体裁之一。他一生写了50余部各种独奏乐器与乐队的协奏曲。这些作品在巴洛克协奏曲的基础上，确立了18世纪古典主义协奏曲的结构原则：3个乐章对比并置的套曲结构（第1乐章奏鸣曲式，第2乐章是类似咏叹调式的抒情乐章，第3乐章具有舞蹈性或通俗性格）；双呈示部，独奏乐器有技巧性的华彩段等。同时加强了独奏乐器的地位，强调了它不同于协奏乐队的音乐性格。由于莫扎特的这些成就，使协奏曲不再片面表现技巧，而使之具有与交响曲同样深刻的意义。莫扎特成为近代协奏曲形式的创始人。 在莫扎特的协奏曲中，钢琴协奏曲占有突出的地位。共写了27部，其中代表作有d小调、c小调、A大调等。此外，还有7首小提琴协奏曲，其中G大调、A大调、D大调的3首比较突出。在管乐协奏曲方面，《A大调单簧管协奏曲》也很突出。其他是4首圆号协奏曲，1首《长笛竖琴协奏曲》等。 奏鸣曲套曲 莫扎特写了17部钢琴奏鸣曲、6部小提琴奏鸣曲和35部钢琴小提琴奏鸣曲等，对古典奏鸣曲套曲的发展有一定的贡献，确立了维也纳古典乐派3个乐章的奏鸣曲套曲形式。在钢琴奏鸣曲方面，他完成了从哈普西科德风格到钢琴风格的过渡。在他80年代的钢琴奏鸣曲中，已使钢琴的效果和音域得到了发挥，如《A大调钢琴奏鸣曲》（1783）《c小调奏鸣曲》（1785）等。前者体现了他的生活风俗性的特点，后者显示了尖锐的对比并置与戏剧性的力量，预示了贝多芬钢琴奏鸣曲的诞生。莫扎特的钢琴小提琴奏鸣曲，从意大利A.科雷利G.B.萨马蒂尼等人的影响中逐步解放出来，形成了自己独立的风格。从1778年开始，莫扎特就将钢琴和小提琴两件乐器摆在同等重要的地位，如降E大调（1781）、降B大调（1784）、降E大调（1785）、A大调（1787）等几首都较成功。 室内乐 在莫扎特写作的23首弦乐四重奏中，最好的是献给海顿的6首（1773），它们从不同的侧面反映了莫扎特的思想和风格──真挚亲切、明快开朗的性格和乐观主义的精神状态。与海顿、贝多芬不同的是莫扎特的天才不是表现在四重奏方面，而表现在五重奏上。其中最为突出的是《C大调弦乐五重奏》（1787）和《g小调弦乐五重奏》（1787）。前者在曲式结构、主题处理等方面有创新，后者是一部悲剧性的作品，反映了作者对社会现实的忧虑与思考。此外，《A大调单簧管五重奏》和几首中提琴五重奏也被誉为他的代表作。 宗教音乐 由于职务的关系，宗教音乐在莫扎特的作品中占有很大部分。其中以他临终前创作的《追思曲》最有代表性。这部作品注入了作者对整个人生的深刻感受，表现了他作为市民音乐家一生所遭受到剥削、屈辱冷遇、贫困的痛苦和他对光明欢乐始终不渝的追求与向往。莫扎特写了乐曲的大部分，剩下的由他的学生F.X.叙斯迈尔忠实地按照他的计划和风格予以完成，并于1793年12月以瓦尔泽格伯爵作曲的名义演出。 莫扎特这部《安魂曲》使用的是传统的《安魂曲》形式，用的是拉丁文歌词，非常真挚、动人。莫扎特一生直到穷极潦倒之时，在他的音乐中也一直没有痛苦，而只有纯净的欢乐。这部临终前的作品仍是如此，只有那种在天国的光芒照耀着他的感觉。 其它 除上述各种体裁外，莫扎特还写了大量的嬉游曲小夜曲、舞曲等。在这些风俗性的作品中，莫扎特采用了民间音乐的因素。反映了他和民间音乐的联系，它们大都具有轻松活泼的特点。其中《G大调弦乐小夜曲》影响较大，它既包含了清新、生动活泼的情绪，又具有宽广、纯朴的抒情性。 总的说来，莫扎特的创作成就遍及各个音乐领域。它们反映了18世纪末，处在被压迫地位的德奥知识分子摆脱封建专制主义的羁绊，对美好社会和光明、正义人的尊严的追求。他的音乐风格具有诚挚、细腻、通俗优雅、轻灵、流丽的特征，大都充满了乐观主义的情绪，反映了上升时期的德奥资产阶级乐观向上的精神状态；在维也纳后期的创作中，也出现了悲剧性、戏剧性的风格，对社会矛盾的反映更趋深刻。 17、 D大调交响曲(K.95)